Søylerommet

Astrup Fearnley-samlingen

Nina Beier, Julia Rommel, Kara Walker, Synnøve Anker Aurdal, Olav Christopher Jenssen, Robert Grosvenor, Klara Lidén

En utstilling med verk anskaffet i løpet av de fem siste årene, kjente klassikere og ikoniske verk fra Astrup Fearnley-samlingen

Dance Dance Revolution: Oslo

Afrang Nordlöf Malekian

UKS is proud to announce our first large-scale institutional commission of social practice in collaboration with KORO (Public Art Norway). Dance Dance Revolution: Oslo is the first Norwegian commission by Iranian-Swedish artist Afrang Nordlöf Malekian (b. 1995, Sweden). The research based participatory performance traces the network of Iranian home parties in Oslo – informal social meetings known as mehmani. These gatherings, featuring gender-fluid dance tracing back to 18th-century Qajar-era Iran, unfold a life-affirming political resistance to and critique of the Iranian regime and other imperial powers. Following the 1979 Iranian Revolution, which banned dance music, the soundtracks for mehmani were mainly produced by Iranians in exile. Throughout 2026, Nordlöf Malekian will engage with Iranian social dance, music and food practices in Oslo that shape these migratory home parties across generations. The participatory research process will culminate in collective choreographic scores through video games, interactive sculptures and screenings. Drawing on the decorative, hyper-commercial and kitschy aesthetics of mehmani, the scores reorient prohibitive nationalist traditions through speculative forms of world-making. Dance Dance Revolution: Oslo is an invitation to think through what has come to be defined as ‘political’ or ‘progressive’ through play and performance.

2026 SOCIAL PRACTICE COMMISSION: Afrang Nordlöf Malekian

Afrang Nordlöf Malekian

UKS is proud to announce our first large-scale institutional commission of social practice in collaboration with KORO (Public Art Norway). Dance Party Revolution: Oslo is the first Norwegian commission by Iranian-Swedish artist Afrang Nordlöf Malekian (b. 1995, Sweden). The research based participatory performance traces the network of Iranian home parties in Oslo – informal social meetings known as mehmani. These gatherings, featuring gender-fluid dance tracing back to 18th-century Qajar-era Iran, unfold a life-affirming political resistance to and critique of the Iranian regime and other imperial powers. Following the 1979 Iranian Revolution, which banned dance music, the soundtracks for mehmani were mainly produced by Iranians in exile. Throughout 2026, Nordlöf Malekian will engage with Iranian social dance, music and food practices in Oslo that shape these migratory home parties across generations. The participatory research process will culminate in collective choreographic scores through video games, interactive sculptures and screenings. Drawing on the decorative, hyper-commercial and kitschy aesthetics of mehmani, the scores reorient prohibitive nationalist traditions through speculative forms of world-making. Dance Dance Revolution: Oslo is an invitation to think through what has come to be defined as ‘political’ or ‘progressive’ through play and performance.

The Alter Egos

Sayed Sattar Hasan, Kirsty Kross, Josef Tzegai Yohannes, Ayesha Jordan

Hasansen, Kari Max, The Urban Legend og Shasta Geaux Pop møtes i en kunstutstilling med Grønland som ramme. De fire alter egoene bruker blant annet humor, satire og performance til å undersøke identitet, gentrifisering og byutvikling. Åpningstider: Tirsdag 11–16; onsdag–torsdag 13–19; fredag–søndag 11–16. Ferie- og helligdagsunntak har separat museumsside. Foto/bilde: Foto: 1–2 Sayed Sattar Hasan; 3 Steve Baker; 4 Doug Gifford.

Conference of the Birds

Benedicte Dahm, Oda Tungodden

Et Kjære nabo-prosjekt (...)

Sophia Sørholt

Sophia Sørholt

Manifest / Kjøkkenskulpturen / Det antifascistiske biblioteket

Ane Hjort Guttu, Sveinung Rudjord Unneland, Gard Frantzsen

Tre verk undersøker utdanning, selvbestemmelse og demokratisk medvirkning. Ane Hjort Guttus film Manifest vises sammen med Kjøkkenskulpturen og Det antifascistiske biblioteket, som danner et samlingspunkt i bibliotekets tredje etasje. Foto/bilde: Foto: Kunstdok / Mario de la Ossa Sætre.

Open Call Studio

Atelier Nords lyd- og redigeringsstudio er et kostnadsfritt tilbud til profesjonelle billedkunstnere med behov for å arbeide med bevegelige bilder, lyd eller nettbaserte prosjekter. Studioet er tilrettelagt for profesjonell arbeidsflyt. Vi tilbyr arbeidsopphold på fire uker om gangen for å gi brukerne våre muligheten til å arbeide med lengre prosjekter, og for å legge til rette for en mer sammenhengende og konsentrert arbeidsflyt. Vi lyser ut fem arbeidsopphold i periodene august til desember 2026. Søknadsfrist: Torsdag 30. april 2026, kl. 23:59.

Åpent Studio

Victoria Oriana, Ingeborg Bloom Andersskog, Victor Guzman

MUNCH Ung inviterer deltakere til å utforske åpent studio som et atelier. MERK: Arrangementet finner sted i MUNCHs verkstedområder. Oppmøte er ved møtepunktet i lobbyen. Vennligst hent billett i skranken og møt deretter opp på møtepunktet i lobbyen. Arrangementet gratis og har begrenset med plass, derfor lønner det seg å komme tidlig. Førstehen til mølla! Dette er en del av Ung-programmet vårt, et gratis kunst- og kulturtilbud for unge. Åpent Studio inviterer til en månedlig verkstedserie der unge får en arena for å skape, utforske og være sammen. Tilbudet er lavterskel og inkluderende, og fungerer som et åpent studio for dem som mangler tilgang til verkstedplass, utstyr eller et kreativt fellesskap. Åpen Studio høsten 2026 er en del av Kom Tegn med Oss ved MUNCH, en langsiktig satsing på tegning som kunstnerisk praksis, publikumsopplevelse og grunnleggende uttrykksform. Med utgangspunkt i Edvard Munchs eksperimentelle tegnepraksis og museets samling ønsker prosjektet å inspirere publikum til å utforske tegning som en meningsfull måte å erfare og forstå verden på. I høst tar vi for oss tegning som medium. Over flere verksteder får deltakerne mulighet til å fordype seg i tegning som kunstnerisk uttrykk – fra grunnleggende teknikker til mer eksperimentelle tilnærminger. Program: 28. august: Skissering og designutvikling I august setter vi fokus på skissering og designutvikling i et verksted ledet av Victoria Oriana, illustratør, pedagog og erfaren kursholder. Med sin bakgrunn innen både tradisjonelle og digitale illustrasjonsteknikker vil hun guide deltakerne gjennom idéutvikling, skissering og designprosessen. Victoria brenner for å hjelpe andre med å finne og utvikle sitt kreative uttrykk. 18. september: Digital illustrasjon iProcreate I september fortsetter vi den kreative reisen med et verksted i digital illustrasjon i Procreate, også ledet av Victoria Oriana. Her får deltakerne lære hvordan de kan videreutvikle egne skisser og design til ferdige digitale illustrasjoner. Gjennom praktiske øvelser og personlig veiledning deler Victoria av sin erfaring med digitale arbeidsmetoder og hjelper deltakerne med å styrke sitt visuelle uttrykk. 30. oktober: Tegning med fokus på kroppslig bevegelse I dette verkstedet vil vi utforske tredimensjonal tegning og eksperimentere med hvordan kroppen kan inngå som en aktiv del av både materialene og tegneprosessen. Verkstedet ledes av Ingeborg Bloom Andersskog (f. 1983), kunstner fra Kongsvinger med oppvekst i Oslo, og bosatt og virksom i Asker. Med bakgrunn i keramikk arbeider Andersskog med tegning, performance, installasjon og tekst. Tid, handling og den skapende prosessen står sentralt i praksisen hennes, der samspillet mellom materiale, kropp og rom danner rammen for arbeidet. 20. november: Tegning, identitet og kultur I november inviterer vi til et verksted ledet av Victor Guzman (f. 1987), en norsk-chilensk billedkunstner med bachelor- og mastergrad fra Kunstakademiet ved KMD, Universitetet i Bergen. Guzman arbeider hovedsakelig med tegning, ofte i kombinasjon med skulptur, maleri, video og installasjon. Personlige erfaringer står sentralt i kunstnerskapet hans, hvor han utforsker temaer som identitet, biografi og kultur. I dette verkstedet undersøker vi hvordan kultur og historie kan inspirere og forme måten vi skaper på. 04. desember: Tegning inspirert av John Savio I desember utforsker vi tegning inspirert av kunstnerskapet og den kunstneriske arven etter John Savio, en av Norges mest anerkjente grafikere og billedkunstnere. Gjennom praktiske øvelser og kreativ utforskning vil deltakerne arbeide med temaer, motiver og teknikker inspirert av Savios særegne kunstneriske uttrykk. Følg @munch_ung på Instagram for informasjon.

Camille Norment Wonderful, Marvelous

Camille Norment

Anette Gellein: Tender Endings

Anette Gellein

Separatutstilling med Anette Gellein der tre filmer inngår i en installasjon med lyd, skulptur, lys og scenografiske elementer i kunsthallens fem utstillingsrom. Åpningstider: Onsdag, fredag, lørdag og søndag 11–16; torsdag 11–19. Stengt på norske helligdager. Bilde: Anette Gellein, Annus Horribilis (2026) ved Kunsthall Stavanger. Foto: Helle Navratil.

Rietveld Academie, Mevis & van Deursen, Linda van Deursen

Linda van Deursen, Mevis & van Deursen

Utstillingen følger 35 år med moteprosjekter, grafisk design og publikasjoner. Den forbinder Linda van Deursens undervisning ved Gerrit Rietveld Academie med Mevis & van Deursens arbeid for Viktor & Rolf og hennes egne bok- og magasinprosjekter. Åpningstider: Tirsdag–onsdag 12–20, torsdag–fredag 12–17.

Katharina Grosse - Svart seng

Katharina Grosse

Katharina Grosse lar seg inspirere av Edvard Munch, og utstillingen knytter kunstnerskapene sammen. Utforsk og utvid din forståelse av maleri gjennom Grosses grenseoverskridende bruk av farge. Den tyske kunstneren Katharina Grosse er kjent for å utfordre det tradisjonelle maleriet. I hennes kunstnerskap kan et maleri oppstå hvor som helst – på et lerret, en offentlig plass, ved siden av et jernbanespor, på en sandstrand – og gjør natur, arkitektur og ikke minst betrakteren til en del av verket. Ved å bruke en spraypistol kan hun male raskt og intuitivt uansett flate og format, noe som gir arbeidene hennes en nesten flytende ​​kvalitet. Grosse har vært inspirert av Edvard Munchs kunstnerskap siden hun var student, og særlig hans maleri Solen (1912—1913), der en blendende sol stiger opp over et steinete skjærgårdslandskap. I forkant av utstillingen vil hun arbeide i Munchs atelier på Ekely i Oslo, og skape nye verk som tilfører en ny dimensjon til dialogen mellom de to kunstnerne. Utstillingstittelen er hentet fra Svart seng, en nyprodusert installasjon som gjenskaper et av Grosses sentrale verk, Das Bett fra 2004. Her spraymalte kunstneren soverommet sitt i Düsseldorf, inkludert møbler, klær og eiendeler, og ødela dem i prosessen. ​​Verket markerte et vendepunkt der kunstneren for første gang inkluderte symbolske og fortellende objekter, som utvidet forståelsen hennes av maleriets muligheter. Grosse sier selv at Svart seng knytter utstillingen til de emosjonelle og psykologiske temaene rundt liv og død i Munchs arbeider. Som et mørkt motstykke til Solen, omslutter Svart seng utstillingsrommet med sin urovekkende energi. I forbindelse med utstillingen utgis publikasjonen Katharina Grosse – Black Bed i november 2026, med bidrag av Mathias Danbolt, Katharina Grosse, Trine Otte Bak Nielsen og Katrine Elise Agpalza Pedersen. Publikasjonen er designet av Irma Boom, og redigert av Line Ulekleiv og Pedersen. Utgitt av MUNCH forlag, distribuert i Tyskland av Hatje Cantz og av ACC Art Books i resten av verden. Kurator for utstillingen er Katrine Elise Agpalza Pedersen og Trine Otte Bak Nielsen er medkurator.

TRYKKNÅ

Gunnveig Nerol

Stor internasjonal grafikkutstilling.

VIDLE HIMLA & God in a Beer Can

K. Linnea Backe, Thomas Lafuente

To analoge fotoprosjekter møtes på Fotografiens Hus. K. Linnea Backe arbeider med erfaring og tilhørighet til Jærens landskap. Thomas Lafuente bruker ølbokser som pinhole-kameraer og lar lang eksponering registrere solens bevegelser og skiftende lys. Åpningstider: Onsdag–fredag 12–17, lørdag–søndag 12–16. Bilde: Thomas Lafuente – God in a Beer Can.

"The feeling of five o'clock moving into five thirty."

Malerinnene

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinnene» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnene» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnene» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnene» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Malerinne

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer, Giovanna Garzoni

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinne» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinne» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinne» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinne» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Maleri̇ṅṅė

Malerinnen

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Giovanna Garzoni, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer

I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnen» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnen» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnen» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Malerinnen

Malerinnenes

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Giovanna Garzoni, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinnenes» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnenes» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnenes» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnenes» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

MOLD

Karen Pederstad

Karen Pederstad viser utstillingen MOLD hos Salgshallen.

Kunstpodden på Huset: KI

Kunstpodden på Huset: Farger

WORK SPACE OFFICE HOURS

Tired of expensive coffee and noisy cafés? Need a bit of body doubling to get started? Join us for our new, monthly co-working session at UKS, on the second Wednesday of every month! We offer free coffee and tea, designated quiet zones and no requirement for small talk – unless you feel like it.

Festival for Huset

Nægh-sje

Amir Asgharnejad, Anahita Alebouyeh

A Point of Entry

Morten Andenæs, Johanne Hestvold, Øyvind Bast, Cecilia Jiménez Ojeda, Max Barel, Erlend Rødsten

Marthe Karen Kampen

Marthe Karen Kampen

Ut av fatning

Hilmar Fredriksen

Ervin Løffler; Skulpturer

Ervin Løffler

Arne Spangereid – Separatutstilling Malerier og grafikk

Arne Spangereid

Separatutstilling med malerier og grafikk av Arne Spangereid, med nye motiver fra Stavanger-regionen. Kunstneren er til stede ved åpningen. Åpning 15. oktober kl. 19.00. Åpningstider: Tirsdag etter avtale, onsdag 12–17, torsdag 12–19, fredag 12–15 og lørdag 11–15. Mandag og søndag stengt. Bilde: Arne Spangereid, Pedersgata.

Next in Line

Jan Christensen

I Next in Line undersøker Jan Christensen kunstnerrollen, karrierens bevegelser og kunstens verdi gjennom maleri og installasjon. Utstillingen rommer blant annet en labyrint som motiv, sammenraste bokstaver i Forward Momentum og verket Placeholder, der kunstnerens navn erstatter Nasjonalmuseets logo. Arbeidene knytter spørsmål om originalitet og økonomi til kunstnerens plass i kunstfeltet. Utstillingsåpning torsdag 15. oktober kl. 18–20.

KRÆSJ 1976-2026

Christian Blandhoel

Christian Blandhoel samler figurer, kosedyr, malerier, tegninger, dioramaer og støyinstrumenter i en utstilling som markerer 50 leveår og 30 år som kunstner. Arbeidene knytter populærkultur og barndommens gjenstander til kunstnerens egne billedverdener. Åpningstider: Torsdag–søndag 14–18. Åpning: 16. oktober kl. 19:00.

Malerinne

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinne» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv.

Eckbos Legat stipendutstilling

Johannes Engelsen Espedal, Wendimagegn Belete Masresha, Sebastian Rusten, Liilian Saksi

Fire kunstnere viser nye stedsspesifikke arbeider i Vigelandmuseet. Skulptur, tekstil og installasjon undersøker blant annet håndverk, natur, kulturarv og forholdet mellom verk og rom. Åpningstider: Tirsdag–søndag 12–16, siste inngang 15.45; mandag stengt. Separat oversikt over helligdager. Foto/bilde: Liilian Saksi. Foto: Jon Gorospe. Åpning: 16. oktober kl. 18:00–20:30.

Innføring i videokunstarkivet

Denne workshopen er for kunstnere som ønsker en innføring i bruk av Videokunstarkivets portal til verksregistrering og filopplasting. Videokunstarkivet er et referansearkiv som er avhengig av at kunstnere bidrar ved å laste opp og registrere informasjon om egne verk. Atelier Nord var, sammen med PNEK, initiativtaker til Videokunstarkivet frem til arkivet ble overført til Nasjonalmuseet i 2021.

A Story Is True Only When It Is Complete

Rina Eide Løvaasen

Rina Eide Løvaasen viser en installasjon der vev, maleri og broderi danner flere lag i samme verk. Referanser til maneter, stjerner, monumenter og geologi inngår i en undersøkelse av tid, omsorg og forvaltning. Åpningstider: Tirsdag–fredag 12–17; lørdag–søndag 12–16.

Når kultur blir data for KI

MUNCH Award 2026

Tegneverksted: Kom inn i tegningen - Barnas kunstdag

Ingeborg Andersskog

Bli med kunstner Ingeborg Andersskog og skap en stor tegning der streker, mønstre og figurer vokser fram på vegger og flater. Verkstedet er gratis og åpent for dropin-besøk mellom kl. 10:00-12:00 og 13:00-15:30 i tredje etasje. Inngang ved siden av kaféen i Lobby. Aktiviteten passer særlig for de mellom 3 og 8 år. Verkstedet har begrenset kapasitet, og det kan innebære noe ventetid i perioder med mye besøk. Kom inn i tegningen! Hva skjer når mange barn tegner sammen på én stor tegning? Her kan streker møtes, figurer dukke opp og nye mønstre vokse frem underveis. Sammen fyller vi rommet med former, mønstre og fantasier. Verkstedet finner sted i MUNCHs splitter nye tegneverksted, der barnas tegninger, idéer og fantasi er med på å forme rommet. Denne høsten inviterer vi til gratis tegneverksteder med tre spennende kunstnere. I dette verkstedet leder kunstner Ingeborg Andersskog barna inn i et lekent tegneunivers fullt av oppdagelser og muligheter. Barna får tegne på store flater, utforske mønstre og la egne idéer bli en del av en stadig voksende felles tegning. Underveis oppmuntrer Ingeborg til nysgjerrighet, eksperimentering og tegnelyst. Velkommen til en dag full av streker, mønstre og fantasier!

Peter Mohall

Utstillingen åpner torsdag 29. oktober kl 18:00 - 20:00

Sverre Bjertnæs med Harriet Backer, Martin Kippenberger, Odd Nerdrum, Kaja Norum, Hannah Ryggen og Fredrik Værslev

Sverre Bjertnæs, Harriet Backer, Martin Kippenberger, Odd Nerdrum, Kaja Norum, Hannah Ryggen, Fredrik Værslev

eiklid / rusten presenterer Sverre Bjertnæs med Harriet Backer, Martin Kippenberger, Odd Nerdrum, Kaja Norum, Hannah Ryggen og Fredrik Værslev. Utstillingen åpner 29. oktober og varer til 28. november 2026. Åpningstider: Torsdag 12–18, lørdag 12–16. Åpning: 29. oktober kl. 18:00.

DINNER BE MY GUEST: PARENTS & KIDS

Yaniya Mikhalina, Joen Vedel

Be My Guest is an informal and open-hearted dinner event, at which artists share their work and thoughts over a creative home-cooked meal. In 2023, artists Yaniya Mikhalina and Joen Vedel welcomed their son into the world, and everything changed. ‘We must find a way to make art that lives with, not in spite of, our new circumstances’, they realized. Like many children of single, migrant or creative parents, their son follows them on work trips, to museums and art openings – anywhere, really. This evening is for all the kiddos and their weary, over-extended parents. UKS will serve simple, vegan, child-friendly cuisine (pasta!) with toppings to tickle adult taste buds at an immensely child-friendly hour. There will be an introduction to the exhibition for small humans at 4.30PM, followed by collective hand washing and dinner around 5.15PM. For those with later bedtimes, a short introduction to the exhibition will be offered for the grownups after dinner while the kids burn energy in the disco pillow room.

Yfirfara – Grafiska Sällskapet

Alexandra Skarp, Amalia Årfelt, Annalena Törnström, Christer Themptander, Christina Västerbo, Helena Laukkanen, Kristina Stark, Laurens Rohlfs, Nina Bondeson, Nina Kerola

Ti kunstnere fra Grafiska Sällskapet viser bredden i svensk samtidsgrafikk. Utstillingen er del av et samarbeid mellom de to grafikerorganisasjonene og undersøker grafikkens teknikker, uttrykk og grenser. Åpningstider: Onsdag og fredag 12–17, torsdag 12–18, lørdag 12–16; søndag–tirsdag stengt. Bilde: Alexandra Skarp – Elefantblad. Print og vinylfarge på tre.

Silvana Imam & Paula Strunden

Silvana Imam, Paula Strunden

UNG AFTER HOURS x EKIP OG INDEX

Kjell Erik Killi-Olsen

Kjell Erik Killi-Olsen

Tegnerforbundet 110 år: Vi tar streken på alvor

I 2026 markerer Tegnerforbundet sitt 110-årsjubileum med et program som undersøker tegnekunstens historiske røtter, samtidige praksiser og fremtidige mulighetsrom. Jubileumsåret vil synliggjøre både kontinuitet og fornyelse i tegnefeltet – fra etablerte, langvarige kunstnerskap til nye og eksperimentelle uttrykk. Som del av markeringen presenterer Tegnerforbundet en større jubileumsutstilling der bredden av dagens tegnekunst står sentralt. Utstillingen løfter frem hele spekteret av uttrykk, metoder og perspektiver som preger medlemsmassen. Tegnerforbundets medlemmer utgjør en særegen og mangfoldig krets, fra avistegnere og illustratører til visuelle kunstnere som arbeider eksperimentelt og konseptuelt. Denne variasjonen danner et rikt og levende bilde av hva tegning er – og hva tegning kan bli. Tegnerforbundet ønsker med jubileumsutstillingen å vise frem dette mangfoldet av stemmer og praksiser. Her vil tradisjonelle tegneredskaper møte digitale prosesser, og håndverksbasert arbeid vil stå side om side med teknologiske og hybridiserte tilnærminger. Gjennom denne bredden vil utstillingen tydeliggjøre hvordan tegnekunsten i dag er i kontinuerlig bevegelse. Ved å samle et så bredt spekter av praksiser, ønsker Tegnerforbundet å markere hva organisasjonen har vært og hva som preger den i dag og i tiden som kommer. Vi er stolte av å kunne ta streken på alvor sammen med alle våre medlemmer, uavhengig av uttrykk, medium, tematikk eller arbeidsmetode. I jubileumsåret 2026 vil dette mangfoldet stå tydelig frem, og sammen vil tegnerne gi et helhetlig og vitalt bilde av tegnekunsten i dag.

Vi tar streken på alvor

WA avec Institúte Francáis

Nicolaisen, Terje

Groupexhibition with curator Jan Walaker - Do you have any relation to France? - Yes! - OK

Tegnerforbundet 110 år: Vi tar streken på alvor

Tegnerforbundet feirer 110-årsjubileum. I jubileumsutstillingen Vi tar streken på alvor viser vi tegninger av våre medlemmer som fremhever et bredt spekter av uttrykk, metoder og perspektiver. Vi er stolte av å vise frem medlemmenes arbeider og det store mangfoldet av stemmer de representerer. Et levende bilde av hva tegning er. I jubileumsutstillingen setter vi søkelyset på bredden i dagens tegnekunst. Tegnerforbundets medlemmer utgjør et særpreget og mangfoldig fellesskap som arbeider med tegning på svært ulike måter. Her finner vi alt fra avistegnere og llustratører til billedkunstnere som arbeider konseptuelt og eksperimentelt. Kontinuitet og fornyelse. Med jubileumsutstillingen ønsker Tegnerforbundet å løfte frem både kontinuitet og fornyelse, fra etablerte kunstnerskap som har utviklet seg gjennom et helt liv, til nye uttrykksformer. Ved å samle et så bredt spekter av kunstneriske praksiser belyser utstillingen både organisasjonens historie og hva som kjennetegner den i dag. I jubileumsåret 2026 feirer vi nettopp dette mangfoldet og bredden av temaer som engasjerer medlemmene våre. Informasjon om formidlingsprogrammet kommer.

RESTRAINT

Hamish Fulton

WORK SPACE OFFICE HOURS

Tired of expensive coffee and noisy cafés? Need a bit of body doubling to get started? Join us for our new, monthly co-working session at UKS, on the second Wednesday of every month! We offer free coffee and tea, designated quiet zones and no requirement for small talk – unless you feel like it.

Mathew Cerletty and Judith Hopf

Mathew Cerletty, Judith Hopf

Mathew Cerletty and Judith Hopf

Mathew Cerletty, Judith Hopf

Bærende konstruksjoner

Marte Aas, Sigurd Bronger, Thyra Dragseth, Agnes Guttormsgaard, Vebjørn Guttormsgaard Møllberg, Marianne Heier, Kunstneraksjon-74, Fabiola Burgos Labra, Éva Mag, Park McArthur, Eline Mugaas, Ketil Nergaard, Nettopp Nettverk, Peter Opsvik, Kaare Ruud, Tove Storch

Pidestallen, bygget, stolen, moren, faren, mentoren, utstillingsteknikeren, støtteordningen: alle er støttestrukturer, men sjelden blir de betraktet i sammenheng. Kunstnernes Hus har i snart hundre år vært en bærende konstruksjon for kunstnere og kunsten, og institusjonen er også bygget og formet av kunstnere. Bærende konstruksjoner tar utgangspunkt i dette historiske forholdet mellom menneske, arkitektur og institusjon, og undersøker hvordan strukturene rundt oss former livene våre og kunstnerisk praksis.

Material Shifts

Olga Balema, Katinka Bock, Ludovica Carbotta, Rhea Dillon, Miho Dohi, Vincent Fecteau, Ane Mette Hol, Brad Kronz, Jean-Luc Moulène, Germain Ngoma, Kaare Ruud, Stein Rønning, Diane Simpson, Dima Srouji, Mungo Thomson

En stor internasjonal gruppeutstilling som undersøker skulptur som en form for oversettelse.

Tegneverksted: Pista pista! - Barnas kunstdag

Adrián Villar Rojas. The End of Imagination

Adrián Villar Rojas

Adrián Villar Rojas monumentale skulpturer tar over to av Nasjonalmuseets lyshaller. Den argentinske kunstneren Adriàn Villar Rojas fikk sitt internasjonale gjennombrudd på Veneziabiennalen i 2011. De siste femten årene har han stilt ut verkene sine over hele verden. «The End of Imagination» er Rojas første utstilling i Norge og den første store presentasjonen av de nyere verkene hans i Europa. I løpet av de siste to tiårene har Villar Rojas’ installasjoner «landet» i Buenos Aires, Yangji-ri, Kalba, Athen, Seto, Shanghai, Seoul, Vallée de Joux, Aspen og mange andre steder. Verkene absorberer hver gang stedets arkitektur, geologi, klima, dets institusjonelle metabolisme og politiske forhold. Det som kommer til syne er ikke et kunstverk, men en økologi – en selvskapende organisme bestående av jord, fuktighet, temperaturskifter, digitale simuleringer, insekter, sopp, mose, kasserte gjenstander, menneskelig samarbeid og tid. Disse installasjonene reiser ikke; de forplanter seg. De brytes ned på stedet, eller bare fragmenter overlever og gjenbrukes i senere verdener. Arkivet deres er spredt, ikke-kontinuerlig og grunnleggende ufullstendig. Det globale korpuset til disse praksisene eksisterer, men aldri som et panorama – kun som spredte, ikke-samordnede verdener som improviserer seg fram i ulike hastigheter. Adrián Villar Rojas’ praksis kan forstås som en konstellasjon av John von Neumann-verdener: Som selvpromoterende og selvmodifiserende økosystemer som oppstår, utvikler seg og forsvinner igjen over hele planeten. I likhet med de selvkopierende probene som astrobiologien teoretiserer om – maskiner som lander i et nytt miljø, absorberer dette miljøet, materialer og betingelser, og genererer et avvikende avkom – ankommer, muterer og utvikler Villar Rojas’ prosjekter seg til ny virkelighet. Ingen av disse verdenene kan noensinne sees samlet. Intet menneske kan ha den fullstendige oversikten.

Adrián Villar Rojas

Adrián Villar Rojas

Den argentinske kunstneren Adrián Villar Rojas fikk sitt internasjonale gjennombrudd på Veneziabiennalen i 2011. De siste femten årene har han stilt ut verkene sine over hele verden. «The End of Imagination» er Rojas første utstilling i Norge og den første store presentasjonen av de nyere verkene hans i Europa. I løpet av de siste to tiårene har Villar Rojas’ installasjoner «landet» i Buenos Aires, Yangji-ri, Kalba, Athen, Seto, Shanghai, Seoul, Vallée de Joux, Aspen og mange andre steder. Verkene absorberer hver gang stedets arkitektur, geologi, klima, dets institusjonelle metabolisme og politiske forhold. Det som kommer til syne er ikke et kunstverk, men en økologi – en selvskapende organisme bestående av jord, fuktighet, temperaturskifter, digitale simuleringer, insekter, sopp, mose, kasserte gjenstander, menneskelig samarbeid og tid. Disse installasjonene reiser ikke; de forplanter seg. De brytes ned på stedet, eller bare fragmenter overlever og gjenbrukes i senere verdener. Arkivet deres er spredt, ikke-kontinuerlig og grunnleggende ufullstendig. Det globale korpuset til disse praksisene eksisterer, men aldri som et panorama – kun som spredte, ikke-samordnede verdener som improviserer seg fram i ulike hastigheter. Adrián Villar Rojas’ praksis kan forstås som en konstellasjon av John von Neumann-verdener: Som selvpromoterende og selvmodifiserende økosystemer som oppstår, utvikler seg og forsvinner igjen over hele planeten. I likhet med de selvkopierende probene som astrobiologien teoretiserer om – maskiner som lander i et nytt miljø, absorberer dette miljøet, materialer og betingelser, og genererer et avvikende avkom – ankommer, muterer og utvikler Villar Rojas’ prosjekter seg til ny virkelighet. Ingen av disse verdenene kan noensinne sees samlet. Intet menneske kan ha den fullstendige oversikten.

Irene Rasmussen

Irene Rasmussen

Kommende utstilling med Irene Rasmussen i Villa Furulund hos Norsk Billedhoggerforening. Åpningstider: Onsdag–fredag 11–16; lørdag–søndag 12–16.

Mari Kvien Brunvoll og Elida Brenna Linge

Mari Kvien Brunvoll, Elida Brenna Linge

Kommende utstilling med Mari Kvien Brunvoll og Elida Brenna Linge i Villa Furulund hos Norsk Billedhoggerforening. Åpningstider: Onsdag–fredag 11–16; lørdag–søndag 12–16.

Juleutstillingen 2026

Cheonghye Sophia

Cheonghye Sophia

Kommende utstilling med Cheonghye Sophia i Villa Furulund hos Norsk Billedhoggerforening. Åpningstider: Onsdag–fredag 11–16; lørdag–søndag 12–16.

Pushwagner

Hariton Pushwagner

Den norske kunstneren Hariton Pushwagner (1940 – 2018) skapte et enestående kunstnerisk univers, hvor det moderne livet og dystopiske framtidsvisjoner spilte seg ut i tegning, maleri, grafikk og friser. Pushwagner gjenbrukte og videreutviklet egne motiver i ulike medier, og formet et særegent visuelt språk som har vært gjenstand for en enorm oppmerksomhet. Utstillingen tar seg fore å gå tilbake til verkenes opprinnelse, med utgangspunkt i sentrale serier fra kunstnerens tidlige faser fra 1970- til 1990-tallet. Den går tilbake til der hånd møter papir eller lerret, og til der kunstneren gjenbruker eget materiale. Pushwagner hadde en unik sensibilitet for populærkultur og fanget tidsånden i et science fiction-lignende tegneseriespråk. Hans kunstneriske prosjekt pekte aktivt og kritisk på homogeniteten som skapes i et moderne kapitalistisk samfunn: Fra byer som stuer mennesker inn i trange høyhus, til autoritære ledere som utøver teknologisk fjernkrigføring. Utstillingen går inn i disse problemstillingene, som lå i kjernen av Pushwagners kunstnerskap. Den fremhever en historisk praksis som stadig informerer dagens kunstnere og som fortsetter å ha betydning i vår samtid. Utstillingen er den første store presentasjonen av Pushwagner i et museum i Norge siden hans bortgang. Kuratert av Live Drønen og Solveig Øvstebø

Ole Jørgen Ness

Ole Jørgen Ness

I 2017 mottok Nasjonalmuseet en betydelig gave fra kunstneren Ole Jørgen Ness. Gaven har, som Ness' kunstnerskap for øvrig, høy kompleksitet. Kunstverkene belyser hvordan vi lever i dag, hva som former oss, hvilke verktøy vi har for å uttrykke oss, samt hvilken betydning kunstens rolle har i samfunnet. Ness oppfatter kunsten som et «levende vesen». Han utforsker forholdet mellom sinn og materie, natur og kultur, og mellom enkeltindividets og kollektivets eksistensielle ansvar. I kunsten hans ligger det mange lag av dypere mening. En framtredende metaforisk figur, er den utryddede tasmanske pungulven – et «annerledes» og utemmelig individ som ble demonisert og tilintetgjort under kolonitiden. Utstillingen viser også den monumentale tegningen Skisse for et århundre (2005) for første gang siden den ble utstilt i Nasjonalgalleriet i 2005. Den fyller vegghøyden og strekker seg opp til 26 meter langs veggen og rommer et kosmos med mytiske vesener, fabler og romerske guder. Tegningen er en reaksjon mot en ensidig, postmoderne intellektualisme. Som motvekt ønsket Ness å skape et overveldende og dynamisk verk som kombinerte historiske referanser med personlige opplevelser. I forbindelse med utstillingen utgis det en større katalog som gir en dypere forståelse av verkene og temaene som kunstneren har arbeidet med gjennom flere tiår. Dette blir den første store utstillingen med Ole Jørgen Ness' kunst siden 2012, og den gir et unikt innblikk i hans fascinerende kunstnerskap.

Ole Jørgen Ness. Metis

Ole Jørgen Ness

John Savio: Hásttuheaddjin. Motstemmen

John Savio

Selv om han bare ble 36 år, satte den samiske kunstneren John Savio dype spor. Hans nyskapende kunst skildret samisk kultur og hverdag, og utfordret både diskriminering og datidens politikk. Utstillingen samler nær 100 av hans verk og betrakter dem fra et samisk ståsted. John Savio (1902–1938) var en banebrytende samisk kunstner som arbeidet på 1920- og 1930-tallet. Han er særlig kjent for sine uttrykksfulle tresnitt og malerier, som skildret den samiske kulturen og hverdagen slik han selv opplevde den. Gjennom kunsten utfordret Savio stereotypiske og rasistiske fremstillinger av samisk kultur, og manet til motstand mot datidens diskriminering og fornorskningspolitikk. På den måten ble han en viktig stemme i den større politiske bevegelsen for samisk selvbestemmelse. Selv om livet hans ble kort, rakk Savio å sette dype spor. Han forente tradisjonelle samiske uttrykk med moderne teknikker, og skapte et helt eget formspråk som la grunnlaget for dáidda – samisk samtidskunst. I dag regnes han som en særegen stemme innen nordisk modernisme og en varig inspirasjon for samiske samtidskunstnere. Denne utstillingen er et samarbeid med Saviomusea/Saviomuseet i Kirkenes, og markerer det første store tilbakeblikket på Savios kunstnerskap fra et samisk ståsted, med nesten 100 verk samlet på ett sted. Utstillingen presenterer banebrytende forskning og nye perspektiver på denne lite anerkjente kunstneren, og bidrar til en dypere forståelse av både samisk og arktisk urfolkskunst. Etter at utstillingen er ferdig på MUNCH, skal den også vises på henholdsvis Nordnorsk Kunstmuseum i Bodø og Trondheim Kunstmuseum i 2027. Utstillingen rommer kunstneriske bidrag fra Eveliina Sarapää i form av utstillingsarkitektur, Elle Márjá Eira gjennom et lydverk og Katarina Spik Skum med en duodji installasjon. Kurator for utstillingen er Liisa-Rávná Finbog (Rámavuol Liisa-Rávdná).

John Savio

John Savio

Paintings

Astrid Slettevold -AST

Nye malerier

Nicolaisen, Terje

Separatutstilling

Gunnveig Nerol

Dagbok

Beatrice Guttormsen

Lance Ring

Nicolaisen, Terje

I promised the gallerist I would make a new solo record to launch at the exhibition, so I will do that...

Separatutstilling

Gunnveig Nerol

Grafikk utstilling