Søylerommet

Astrup Fearnley-samlingen

Nina Beier, Julia Rommel, Kara Walker, Synnøve Anker Aurdal, Olav Christopher Jenssen, Robert Grosvenor, Klara Lidén

En utstilling med verk anskaffet i løpet av de fem siste årene, kjente klassikere og ikoniske verk fra Astrup Fearnley-samlingen

Dance Dance Revolution: Oslo

Afrang Nordlöf Malekian

UKS is proud to announce our first large-scale institutional commission of social practice in collaboration with KORO (Public Art Norway). Dance Dance Revolution: Oslo is the first Norwegian commission by Iranian-Swedish artist Afrang Nordlöf Malekian (b. 1995, Sweden). The research based participatory performance traces the network of Iranian home parties in Oslo – informal social meetings known as mehmani. These gatherings, featuring gender-fluid dance tracing back to 18th-century Qajar-era Iran, unfold a life-affirming political resistance to and critique of the Iranian regime and other imperial powers. Following the 1979 Iranian Revolution, which banned dance music, the soundtracks for mehmani were mainly produced by Iranians in exile. Throughout 2026, Nordlöf Malekian will engage with Iranian social dance, music and food practices in Oslo that shape these migratory home parties across generations. The participatory research process will culminate in collective choreographic scores through video games, interactive sculptures and screenings. Drawing on the decorative, hyper-commercial and kitschy aesthetics of mehmani, the scores reorient prohibitive nationalist traditions through speculative forms of world-making. Dance Dance Revolution: Oslo is an invitation to think through what has come to be defined as ‘political’ or ‘progressive’ through play and performance.

Conference of the Birds

Benedicte Dahm, Oda Tungodden

Et Kjære nabo-prosjekt (...)

Asta Nørregaard. Sannhet og skjønnhet

Asta Nørregaard

Sophia Sørholt

Sophia Sørholt

Open Call Studio

Atelier Nords lyd- og redigeringsstudio er et kostnadsfritt tilbud til profesjonelle billedkunstnere med behov for å arbeide med bevegelige bilder, lyd eller nettbaserte prosjekter. Studioet er tilrettelagt for profesjonell arbeidsflyt. Vi tilbyr arbeidsopphold på fire uker om gangen for å gi brukerne våre muligheten til å arbeide med lengre prosjekter, og for å legge til rette for en mer sammenhengende og konsentrert arbeidsflyt. Vi lyser ut fem arbeidsopphold i periodene august til desember 2026. Søknadsfrist: Torsdag 30. april 2026, kl. 23:59.

UNG tegning NÅ!

June Kittelsen, Bella Fasmer, Likrot, Solfrid Elise Lindblom, Ghazaal Nasiri, Hanna Undlien, Erlend Peder Kvam, Suzannah Rehell Øistad, Sigurd Grøndahl, Faezeh Valadan, Marie Skibenes Botilsrud, Even Esperø Nybakken

Med UNG tegning NÅ! vil Tegnerforbundet undersøke hva som rører seg blant den yngre generasjonen av tegnere. Utstillingen har blitt til gjennom en juryert open call, og den presenterer et utvalg kunstnere som på ulikt vis undersøker og utvider forståelsen av hva tegning kan romme i dag. I møte med en kunstverden der teknologiske, materielle og konseptuelle skift skjer i høyt tempo, gir utstillingen innblikk i hvordan unge tegnere forholder seg til både tradisjonelle teknikker og nye medier. Flere av kunstnerskapene beveger seg i grenselandet mellom analoge og digitale prosesser, mens andre viderefører og omformer tegningens klassiske uttrykk. Slik søker vi å synliggjøre hvordan tegningens form- og materialforståelse kontinuerlig forhandles og fornyes. Tematisk retter kunstnerne oppmerksomheten mot et bredt spekter av problemstillinger, som identitet, kropp, tilhørighet, natur, mytologi, sosialt liv, teknologi og fremtidsforestillinger. Deres arbeid bærer preg av både fabulerende, poetiske og analytiske tilnærminger, og samlet vil de utgjøre et mangfold av perspektiver som speiler en generasjon i bevegelse.

ARK

Toon Berghahn, Jan Ingvald Bjørneboe, Anja Carr, Patrik Entian, Eigil Forberg, Per Formo, Jonas Greni, Jens Hamran, Per Hess, Johannes Høie, Jørgen Herleiksplass Lie, Marius Martinussen, Tala Køber Lindstrøm, Siv Blankenberg Skottheim, Paul Smulders, Jens Stegger Ledaal, Lena Trydal, Ingrid Toogood, Torgrim Torve, Aleksi Wildhagen

ARK brings together twenty artists from across Norway, from students to established names, spanning painting, drawing, printmaking, sculpture and neon. Curated by Marius Martinussen, the exhibition was first shown this summer in Kristiansand and Arendal. Opening Friday 28 August, 18:00–20:00. Open weekdays 12:00–16:00, or by appointment.

Like a hole in the wall where a picture used to hang

Martine Flor, Tobias Kvendseth, Moana Le Meur

Åpning: fredag 4. september kl. 18:00 (...)

Camille Norment Wonderful, Marvelous

Camille Norment

À Table

Christophe Lennox

We are delighted to present À Table, Christophe Lennox’s second solo exhibition at ISCA Gallery from September 17 to October 24, 2026. I moved into my new apartment on Kirkegårdsgata. It’s my favorite square in Oslo. There is a pool with a sculpture of an egg in the middle and a restaurant called apostrophe with a terrace. It feels like Paris. When the decision was made that we would separate I began making a dining table for myself. It felt more like making a coffin. I have made several paintings about the table since then. And I think I will title my next show ‘À table.’ That’s what my mother would always call when dinner was ready.

Christophe Lennox: À Table

Christophe Lennox

We are delighted to present À Table, Christophe Lennox’s second solo exhibition at ISCA Gallery from September 17 to October 24, 2026. I moved into my new apartment on Kirkegårdsgata. It’s my favorite square in Oslo. There is a pool with a sculpture of an egg in the middle and a restaurant called apostrophe with a terrace. It feels like Paris. When the decision was made that we would separate I began making a dining table for myself. It felt more like making a coffin. I have made several paintings about the table since then. And I think I will title my next show ‘À table.’ That’s what my mother would always call when dinner was ready. Christophe Lennox (b. 1986 Dundee, UK) holds a Bachelors Degree in Fine Art from Concordia University in Montreal in 2012. After having lived in Canada for a decade he returned to the UK and lived in London where he gave up painting and started a bespoke furniture making company. Following the death of his grandfather, also an artist, he inherited a box of old paints and began painting again. Rooted in personal experience yet reaching beyond it, his work reflects on identity, love, loss, and the fragile bonds that connect and separate us.

How to Live Together

Karen Kviltu Lidal

Paper Thin Skin

Liv Tandrevold Eriksen

More is More

Kirsten Hermansson

From Ground to Profound

Harald Lode

AGENZIA

Camilla Løw

Libraries and Counterpropaganda

Lørdag 26. september kl. 17-20 gratis

Kim Nygård- Vindkast

Kim Nygård

Det som finnes rundt oss

Bodil Drange Pedersen, nicholas O`Leary, Sebastian Slotte

TRYKKNÅ

Gunnveig Nerol

International print exhibition Internasjonal grafikk utstilling

Malerinnene

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinnene» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnene» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnene» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnene» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Malerinne

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer, Giovanna Garzoni

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinne» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinne» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinne» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinne» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Maleri̇ṅṅė

Malerinnen

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Giovanna Garzoni, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer

I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnen» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnen» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnen» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Malerinnen

Malerinnenes

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Giovanna Garzoni, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinnenes» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnenes» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnenes» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnenes» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

SWAP: Alessio Barchitta

Alessio Barchitta

Kledd som folk

Håvard Homstvedt

Unmistakably You at Oslo Negativ

Dev Dhunsi

Sara Skogøy – Mothers I’d Like to Forgive

Sara Skogøy

Unmistakably You

Dev Dhunsi

Mothers I’d Like to Forgive

Sara Skogoy

10.-18- oktober 2026

Unmistakably You at Oslo Negativ

Dev Dhunsi

Poste Restante

Hilmar Fredriksen

Anahita Alebouyeh & Amir Asgharnejad

A Point of Entry

Morten Andenæs, Johanne Hestvold, Øyvind Bast, Cecilia Jiménez Ojeda, Max Barel, Erlend Rødsten

Marthe Karen Kampen

Marthe Karen Kampen

Ut av fatning

Hilmar Fredriksen

Hilmar Fredriksen

Nægh sje

Amir Asgharnejad, Anahita Alebouyeh

Finissage: ARK hos Atelie

Toon Berghahn, Jan Ingvald Bjørneboe, Anja Carr, Patrik Entian, Eigil Forberg, Per Formo, Jonas Greni, Jens Hamran, Per Hess, Johannes Høie, Jørgen Herleiksplass Lie, Marius Martinussen, Tala Køber Lindstrøm, Siv Blankenberg Skottheim, Paul Smulders, Jens Stegger Ledaal, Lena Trydal, Ingrid Toogood, Torgrim Torve, Aleksi Wildhagen

Torsdag 15. oktober kl. 18.00 er det finissage for gruppeutstillingen ARK hos Atelie i Via Vika, rett overfor Nasjonalmuseet. Utstillingen er kuratert av Marius Martinussen og samler tjue kunstnere fra hele landet, fra studenter til etablerte navn. Her møtes maleri, tegning, grafikk, skulptur og neon. Kunstner: Toon Berghahn, Jan Ingvald Bjørneboe, Anja Carr, Patrik Entian, Eigil Forberg, Per Formo, Jonas Greni, Jens Hamran, Per Hess, Johannes Høie, Jørgen Herleiksplass Lie, Marius Martinussen, Tala Køber Lindstrøm, Siv Blankenberg Skottheim, Paul Smulders, Jens Stegger Ledaal, Lena Trydal, Ingrid Toogood, Torgrim Torve og Aleksi Wildhagen. Alle verk er til salgs. Til utstillingen finnes en egen katalog, utgitt med støtte fra Billedkunstnernes Vederlagsfond. Fram til finissagen er utstillingen åpen onsdag til fredag kl. 12.00 til 16.00, eller etter avtale. Velkommen!

Malerinne

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinne» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv.

Peter Mohall

Utstillingen åpner torsdag 29. oktober kl 18:00 - 20:00

Vi tar streken på alvor

Tegnerforbundet 110 år: Vi tar streken på alvor

I 2026 markerer Tegnerforbundet sitt 110-årsjubileum med et program som undersøker tegnekunstens historiske røtter, samtidige praksiser og fremtidige mulighetsrom. Jubileumsåret vil synliggjøre både kontinuitet og fornyelse i tegnefeltet – fra etablerte, langvarige kunstnerskap til nye og eksperimentelle uttrykk. Som del av markeringen presenterer Tegnerforbundet en større jubileumsutstilling der bredden av dagens tegnekunst står sentralt. Utstillingen løfter frem hele spekteret av uttrykk, metoder og perspektiver som preger medlemsmassen. Tegnerforbundets medlemmer utgjør en særegen og mangfoldig krets, fra avistegnere og illustratører til visuelle kunstnere som arbeider eksperimentelt og konseptuelt. Denne variasjonen danner et rikt og levende bilde av hva tegning er – og hva tegning kan bli. Tegnerforbundet ønsker med jubileumsutstillingen å vise frem dette mangfoldet av stemmer og praksiser. Her vil tradisjonelle tegneredskaper møte digitale prosesser, og håndverksbasert arbeid vil stå side om side med teknologiske og hybridiserte tilnærminger. Gjennom denne bredden vil utstillingen tydeliggjøre hvordan tegnekunsten i dag er i kontinuerlig bevegelse. Ved å samle et så bredt spekter av praksiser, ønsker Tegnerforbundet å markere hva organisasjonen har vært og hva som preger den i dag og i tiden som kommer. Vi er stolte av å kunne ta streken på alvor sammen med alle våre medlemmer, uavhengig av uttrykk, medium, tematikk eller arbeidsmetode. I jubileumsåret 2026 vil dette mangfoldet stå tydelig frem, og sammen vil tegnerne gi et helhetlig og vitalt bilde av tegnekunsten i dag.

RESTRAINT

Hamish Fulton

Material Shifts

Olga Balema, Katinka Bock, Ludovica Carbotta, Rhea Dillon, Miho Dohi, Vincent Fecteau, Ane Mette Hol, Brad Kronz, Jean-Luc Moulène, Germain Ngoma, Kaare Ruud, Stein Rønning, Diane Simpson, Dima Srouji, Mungo Thomson

En stor internasjonal gruppeutstilling som undersøker skulptur som en form for oversettelse.

Adrián Villar Rojas. The End of Imagination

Adrián Villar Rojas

Adrián Villar Rojas monumentale skulpturer tar over to av Nasjonalmuseets lyshaller. Den argentinske kunstneren Adriàn Villar Rojas fikk sitt internasjonale gjennombrudd på Veneziabiennalen i 2011. De siste femten årene har han stilt ut verkene sine over hele verden. «The End of Imagination» er Rojas første utstilling i Norge og den første store presentasjonen av de nyere verkene hans i Europa. I løpet av de siste to tiårene har Villar Rojas’ installasjoner «landet» i Buenos Aires, Yangji-ri, Kalba, Athen, Seto, Shanghai, Seoul, Vallée de Joux, Aspen og mange andre steder. Verkene absorberer hver gang stedets arkitektur, geologi, klima, dets institusjonelle metabolisme og politiske forhold. Det som kommer til syne er ikke et kunstverk, men en økologi – en selvskapende organisme bestående av jord, fuktighet, temperaturskifter, digitale simuleringer, insekter, sopp, mose, kasserte gjenstander, menneskelig samarbeid og tid. Disse installasjonene reiser ikke; de forplanter seg. De brytes ned på stedet, eller bare fragmenter overlever og gjenbrukes i senere verdener. Arkivet deres er spredt, ikke-kontinuerlig og grunnleggende ufullstendig. Det globale korpuset til disse praksisene eksisterer, men aldri som et panorama – kun som spredte, ikke-samordnede verdener som improviserer seg fram i ulike hastigheter. Adrián Villar Rojas’ praksis kan forstås som en konstellasjon av John von Neumann-verdener: Som selvpromoterende og selvmodifiserende økosystemer som oppstår, utvikler seg og forsvinner igjen over hele planeten. I likhet med de selvkopierende probene som astrobiologien teoretiserer om – maskiner som lander i et nytt miljø, absorberer dette miljøet, materialer og betingelser, og genererer et avvikende avkom – ankommer, muterer og utvikler Villar Rojas’ prosjekter seg til ny virkelighet. Ingen av disse verdenene kan noensinne sees samlet. Intet menneske kan ha den fullstendige oversikten.

Adrián Villar Rojas

Adrián Villar Rojas

Den argentinske kunstneren Adrián Villar Rojas fikk sitt internasjonale gjennombrudd på Veneziabiennalen i 2011. De siste femten årene har han stilt ut verkene sine over hele verden. «The End of Imagination» er Rojas første utstilling i Norge og den første store presentasjonen av de nyere verkene hans i Europa. I løpet av de siste to tiårene har Villar Rojas’ installasjoner «landet» i Buenos Aires, Yangji-ri, Kalba, Athen, Seto, Shanghai, Seoul, Vallée de Joux, Aspen og mange andre steder. Verkene absorberer hver gang stedets arkitektur, geologi, klima, dets institusjonelle metabolisme og politiske forhold. Det som kommer til syne er ikke et kunstverk, men en økologi – en selvskapende organisme bestående av jord, fuktighet, temperaturskifter, digitale simuleringer, insekter, sopp, mose, kasserte gjenstander, menneskelig samarbeid og tid. Disse installasjonene reiser ikke; de forplanter seg. De brytes ned på stedet, eller bare fragmenter overlever og gjenbrukes i senere verdener. Arkivet deres er spredt, ikke-kontinuerlig og grunnleggende ufullstendig. Det globale korpuset til disse praksisene eksisterer, men aldri som et panorama – kun som spredte, ikke-samordnede verdener som improviserer seg fram i ulike hastigheter. Adrián Villar Rojas’ praksis kan forstås som en konstellasjon av John von Neumann-verdener: Som selvpromoterende og selvmodifiserende økosystemer som oppstår, utvikler seg og forsvinner igjen over hele planeten. I likhet med de selvkopierende probene som astrobiologien teoretiserer om – maskiner som lander i et nytt miljø, absorberer dette miljøet, materialer og betingelser, og genererer et avvikende avkom – ankommer, muterer og utvikler Villar Rojas’ prosjekter seg til ny virkelighet. Ingen av disse verdenene kan noensinne sees samlet. Intet menneske kan ha den fullstendige oversikten.

Juleutstillingen 2026

Pushwagner

Hariton Pushwagner

Den norske kunstneren Hariton Pushwagner (1940 – 2018) skapte et enestående kunstnerisk univers, hvor det moderne livet og dystopiske framtidsvisjoner spilte seg ut i tegning, maleri, grafikk og friser. Pushwagner gjenbrukte og videreutviklet egne motiver i ulike medier, og formet et særegent visuelt språk som har vært gjenstand for en enorm oppmerksomhet. Utstillingen tar seg fore å gå tilbake til verkenes opprinnelse, med utgangspunkt i sentrale serier fra kunstnerens tidlige faser fra 1970- til 1990-tallet. Den går tilbake til der hånd møter papir eller lerret, og til der kunstneren gjenbruker eget materiale. Pushwagner hadde en unik sensibilitet for populærkultur og fanget tidsånden i et science fiction-lignende tegneseriespråk. Hans kunstneriske prosjekt pekte aktivt og kritisk på homogeniteten som skapes i et moderne kapitalistisk samfunn: Fra byer som stuer mennesker inn i trange høyhus, til autoritære ledere som utøver teknologisk fjernkrigføring. Utstillingen går inn i disse problemstillingene, som lå i kjernen av Pushwagners kunstnerskap. Den fremhever en historisk praksis som stadig informerer dagens kunstnere og som fortsetter å ha betydning i vår samtid. Utstillingen er den første store presentasjonen av Pushwagner i et museum i Norge siden hans bortgang. Kuratert av Live Drønen og Solveig Øvstebø

Ole Jørgen Ness

Ole Jørgen Ness

I 2017 mottok Nasjonalmuseet en betydelig gave fra kunstneren Ole Jørgen Ness. Gaven har, som Ness' kunstnerskap for øvrig, høy kompleksitet. Kunstverkene belyser hvordan vi lever i dag, hva som former oss, hvilke verktøy vi har for å uttrykke oss, samt hvilken betydning kunstens rolle har i samfunnet. Ness oppfatter kunsten som et «levende vesen». Han utforsker forholdet mellom sinn og materie, natur og kultur, og mellom enkeltindividets og kollektivets eksistensielle ansvar. I kunsten hans ligger det mange lag av dypere mening. En framtredende metaforisk figur, er den utryddede tasmanske pungulven – et «annerledes» og utemmelig individ som ble demonisert og tilintetgjort under kolonitiden. Utstillingen viser også den monumentale tegningen Skisse for et århundre (2005) for første gang siden den ble utstilt i Nasjonalgalleriet i 2005. Den fyller vegghøyden og strekker seg opp til 26 meter langs veggen og rommer et kosmos med mytiske vesener, fabler og romerske guder. Tegningen er en reaksjon mot en ensidig, postmoderne intellektualisme. Som motvekt ønsket Ness å skape et overveldende og dynamisk verk som kombinerte historiske referanser med personlige opplevelser. I forbindelse med utstillingen utgis det en større katalog som gir en dypere forståelse av verkene og temaene som kunstneren har arbeidet med gjennom flere tiår. Dette blir den første store utstillingen med Ole Jørgen Ness' kunst siden 2012, og den gir et unikt innblikk i hans fascinerende kunstnerskap.

Ole Jørgen Ness. Metis

Ole Jørgen Ness

Separatutstilling

Gunnveig Nerol

Dagbok

Beatrice Guttormsen