Søylerommet

Astrup Fearnley-samlingen

Nina Beier, Julia Rommel, Kara Walker, Synnøve Anker Aurdal, Olav Christopher Jenssen, Robert Grosvenor, Klara Lidén

En utstilling med verk anskaffet i løpet av de fem siste årene, kjente klassikere og ikoniske verk fra Astrup Fearnley-samlingen

Dance Dance Revolution: Oslo

Afrang Nordlöf Malekian

UKS is proud to announce our first large-scale institutional commission of social practice in collaboration with KORO (Public Art Norway). Dance Dance Revolution: Oslo is the first Norwegian commission by Iranian-Swedish artist Afrang Nordlöf Malekian (b. 1995, Sweden). The research based participatory performance traces the network of Iranian home parties in Oslo – informal social meetings known as mehmani. These gatherings, featuring gender-fluid dance tracing back to 18th-century Qajar-era Iran, unfold a life-affirming political resistance to and critique of the Iranian regime and other imperial powers. Following the 1979 Iranian Revolution, which banned dance music, the soundtracks for mehmani were mainly produced by Iranians in exile. Throughout 2026, Nordlöf Malekian will engage with Iranian social dance, music and food practices in Oslo that shape these migratory home parties across generations. The participatory research process will culminate in collective choreographic scores through video games, interactive sculptures and screenings. Drawing on the decorative, hyper-commercial and kitschy aesthetics of mehmani, the scores reorient prohibitive nationalist traditions through speculative forms of world-making. Dance Dance Revolution: Oslo is an invitation to think through what has come to be defined as ‘political’ or ‘progressive’ through play and performance.

2026 SOCIAL PRACTICE COMMISSION: Afrang Nordlöf Malekian

Afrang Nordlöf Malekian

UKS is proud to announce our first large-scale institutional commission of social practice in collaboration with KORO (Public Art Norway). Dance Party Revolution: Oslo is the first Norwegian commission by Iranian-Swedish artist Afrang Nordlöf Malekian (b. 1995, Sweden). The research based participatory performance traces the network of Iranian home parties in Oslo – informal social meetings known as mehmani. These gatherings, featuring gender-fluid dance tracing back to 18th-century Qajar-era Iran, unfold a life-affirming political resistance to and critique of the Iranian regime and other imperial powers. Following the 1979 Iranian Revolution, which banned dance music, the soundtracks for mehmani were mainly produced by Iranians in exile. Throughout 2026, Nordlöf Malekian will engage with Iranian social dance, music and food practices in Oslo that shape these migratory home parties across generations. The participatory research process will culminate in collective choreographic scores through video games, interactive sculptures and screenings. Drawing on the decorative, hyper-commercial and kitschy aesthetics of mehmani, the scores reorient prohibitive nationalist traditions through speculative forms of world-making. Dance Dance Revolution: Oslo is an invitation to think through what has come to be defined as ‘political’ or ‘progressive’ through play and performance.

The Alter Egos

Sayed Sattar Hasan, Kirsty Kross, Josef Tzegai Yohannes, Ayesha Jordan

Hasansen, Kari Max, The Urban Legend og Shasta Geaux Pop møtes i en kunstutstilling med Grønland som ramme. De fire alter egoene bruker blant annet humor, satire og performance til å undersøke identitet, gentrifisering og byutvikling. Åpningstider: Tirsdag 11–16; onsdag–torsdag 13–19; fredag–søndag 11–16. Ferie- og helligdagsunntak har separat museumsside. Foto/bilde: Foto: 1–2 Sayed Sattar Hasan; 3 Steve Baker; 4 Doug Gifford.

We, like you, contain stories (together)

Quin Scholten

Quin Scholtens keramiske vesener vises på tre steder i bibliotekets fjerde etasje. Utstillingen lar publikum komme tett på formene og undersøker forholdet mellom mennesker, ting og andre livsformer. Foto/bilde: Foto: kunstdok / Tor S. Ulstein.

Conference of the Birds

Benedicte Dahm, Oda Tungodden

Et Kjære nabo-prosjekt (...)

Asta Nørregaard. Sannhet og skjønnhet

Asta Nørregaard

Sophia Sørholt

Sophia Sørholt

jeg er alene (2024)

Ronja Krokstrand Gravklev

Ronja Krokstrand Gravklevs videoverk undersøker foreldres møte med barns ensomhet. Tekstfremføringer, en samtale mellom kunstneren og moren og arkivmateriale danner filmens tre deler. Verket varer 7 minutter og 14 sekunder og vises i loop. Foto/bilde: Screenshot: Ronja Gravklev «jeg er alene».

Manifest / Kjøkkenskulpturen / Det antifascistiske biblioteket

Ane Hjort Guttu, Sveinung Rudjord Unneland, Gard Frantzsen

Tre verk undersøker utdanning, selvbestemmelse og demokratisk medvirkning. Ane Hjort Guttus film Manifest vises sammen med Kjøkkenskulpturen og Det antifascistiske biblioteket, som danner et samlingspunkt i bibliotekets tredje etasje. Foto/bilde: Foto: Kunstdok / Mario de la Ossa Sætre.

Open Call Studio

Atelier Nords lyd- og redigeringsstudio er et kostnadsfritt tilbud til profesjonelle billedkunstnere med behov for å arbeide med bevegelige bilder, lyd eller nettbaserte prosjekter. Studioet er tilrettelagt for profesjonell arbeidsflyt. Vi tilbyr arbeidsopphold på fire uker om gangen for å gi brukerne våre muligheten til å arbeide med lengre prosjekter, og for å legge til rette for en mer sammenhengende og konsentrert arbeidsflyt. Vi lyser ut fem arbeidsopphold i periodene august til desember 2026. Søknadsfrist: Torsdag 30. april 2026, kl. 23:59.

UNG tegning NÅ!

June Kittelsen, Bella Fasmer, Likrot, Solfrid Elise Lindblom, Ghazaal Nasiri, Hanna Undlien, Erlend Peder Kvam, Suzannah Rehell Øistad, Sigurd Grøndahl, Faezeh Valadan, Marie Skibenes Botilsrud, Even Esperø Nybakken

Med UNG tegning NÅ! vil Tegnerforbundet undersøke hva som rører seg blant den yngre generasjonen av tegnere. Utstillingen har blitt til gjennom en juryert open call, og den presenterer et utvalg kunstnere som på ulikt vis undersøker og utvider forståelsen av hva tegning kan romme i dag. I møte med en kunstverden der teknologiske, materielle og konseptuelle skift skjer i høyt tempo, gir utstillingen innblikk i hvordan unge tegnere forholder seg til både tradisjonelle teknikker og nye medier. Flere av kunstnerskapene beveger seg i grenselandet mellom analoge og digitale prosesser, mens andre viderefører og omformer tegningens klassiske uttrykk. Slik søker vi å synliggjøre hvordan tegningens form- og materialforståelse kontinuerlig forhandles og fornyes. Tematisk retter kunstnerne oppmerksomheten mot et bredt spekter av problemstillinger, som identitet, kropp, tilhørighet, natur, mytologi, sosialt liv, teknologi og fremtidsforestillinger. Deres arbeid bærer preg av både fabulerende, poetiske og analytiske tilnærminger, og samlet vil de utgjøre et mangfold av perspektiver som speiler en generasjon i bevegelse.

Sunrise I Missed

Kamil Kak

Kamil Kak undersøker Svalbards samfunn og sårbare økosystemer gjennom blant annet grafikk, tekstil, video og installasjon. Prosjektet kobler forskning og samtaler med performance og spørsmål om territorium og omsorg. Åpningstider: Onsdag og fredag 12–17, torsdag 12–18, lørdag 12–16; søndag–tirsdag stengt. Bilde: Kamil Kak – Spitsbergen Postphoto 03 (2026). Pigmenttrykk på arkivpapir, 50 × 40 cm.

Taking up Space

Jennie Bringaker

Jennie Bringakers installasjon er bygget rundt en fem meter lang kvinneskikkelse som ligger over gallerigulvet. Figuren ble laget på stedet av blant annet hønsenetting, isopor, gips, dynetrekk og aviser. Åpningstider: Torsdag–lørdag 12–16 og etter avtale. Foto/bilde: Foto: Tor Simen Ulstein. Courtesy of the artist and Femtensesse, Oslo.

On Movements in Stone

Hélène Arja, Herman Billett, Roar Gustafsson Skotte, I. Eirik Traavik Nesheim

Fire kunstnere undersøker menneskets forhold til stein gjennom keramisk skulptur, video, lyd og interaktive installasjoner. Utstillingen kobler mineraler og bergarter til tid, kultur, teknologi og samfunn. Åpningstider: Onsdag–fredag 11–16; lørdag–søndag 12–16.

Like a hole in the wall where a picture used to hang

Martine Flor, Tobias Kvendseth, Moana Le Meur

Åpning: fredag 4. september kl. 18:00 (...)

Camille Norment Wonderful, Marvelous

Camille Norment

À Table

Christophe Lennox

We are delighted to present À Table, Christophe Lennox’s second solo exhibition at ISCA Gallery from September 17 to October 24, 2026. I moved into my new apartment on Kirkegårdsgata. It’s my favorite square in Oslo. There is a pool with a sculpture of an egg in the middle and a restaurant called apostrophe with a terrace. It feels like Paris. When the decision was made that we would separate I began making a dining table for myself. It felt more like making a coffin. I have made several paintings about the table since then. And I think I will title my next show ‘À table.’ That’s what my mother would always call when dinner was ready.

میلکان Mîlkan – et sted jeg aldri forlot

Gelawesh Waledkhani

Gelawesh Waledkhani tar utgangspunkt i familiens historie og undersøker minner og tilhørighet på tvers av geografisk avstand. Tegninger etter morens håndtrykte silketekstil og vannkarse dyrket av faren inngår i utstillingen. Åpningstider: Torsdag–søndag 12–17. Foto/bilde: Foto: © Mario de la Ossa.

Anette Gellein: Tender Endings

Anette Gellein

Separatutstilling med Anette Gellein der tre filmer inngår i en installasjon med lyd, skulptur, lys og scenografiske elementer i kunsthallens fem utstillingsrom. Åpningstider: Onsdag, fredag, lørdag og søndag 11–16; torsdag 11–19. Stengt på norske helligdager. Bilde: Anette Gellein, Annus Horribilis (2026) ved Kunsthall Stavanger. Foto: Helle Navratil.

Elsewhere

Zhang Chunhua

Separatutstilling med Zhang Chunhua hos snø galleri. Åpningstider: Onsdag–lørdag 12–16 og etter avtale.

Drop-in Postkortverksted

Christophe Lennox: À Table

Christophe Lennox

We are delighted to present À Table, Christophe Lennox’s second solo exhibition at ISCA Gallery from September 17 to October 24, 2026. I moved into my new apartment on Kirkegårdsgata. It’s my favorite square in Oslo. There is a pool with a sculpture of an egg in the middle and a restaurant called apostrophe with a terrace. It feels like Paris. When the decision was made that we would separate I began making a dining table for myself. It felt more like making a coffin. I have made several paintings about the table since then. And I think I will title my next show ‘À table.’ That’s what my mother would always call when dinner was ready. Christophe Lennox (b. 1986 Dundee, UK) holds a Bachelors Degree in Fine Art from Concordia University in Montreal in 2012. After having lived in Canada for a decade he returned to the UK and lived in London where he gave up painting and started a bespoke furniture making company. Following the death of his grandfather, also an artist, he inherited a box of old paints and began painting again. Rooted in personal experience yet reaching beyond it, his work reflects on identity, love, loss, and the fragile bonds that connect and separate us.

Rietveld Academie, Mevis & van Deursen, Linda van Deursen

Linda van Deursen, Mevis & van Deursen

Utstillingen følger 35 år med moteprosjekter, grafisk design og publikasjoner. Den forbinder Linda van Deursens undervisning ved Gerrit Rietveld Academie med Mevis & van Deursens arbeid for Viktor & Rolf og hennes egne bok- og magasinprosjekter. Åpningstider: Tirsdag–onsdag 12–20, torsdag–fredag 12–17.

How to Live Together

KAREN KVILTU LIDAL

Paper Thin Skin

Liv Tandrevold Eriksen

More is More

KIRSTEN HERMANSSON

From Ground to Profound

Harald Lode

I give you the morning

Gunvor Nervold Antonsen

Gunvor Nervold Antonsen viser nye relieffer og gulvskulpturer i tre. Blomsterformer er skåret med motorsag og bearbeidet med pigment, mens spor etter treets vekst og slitasje er bevart. Åpningstider: Torsdag 12–18, lørdag 12–16. Bilde: I give you the morning, Gunvor Nervold Antonsen.

StA III

Bjørn Ransve

Gravity and Grace

Dana Dawud

Dana Dawuds videoarbeider undersøker hvordan bilder blir laget, delt og omformet på nettet. Samarbeid, gjentakelse og improvisasjon lar flere stemmer og versjoner inngå i verkene. Åpningstider: Lørdag–søndag 13–15 i de fire utstillingshelgene.

AGENZIA

Camilla Løw

Katharina Grosse - Svart seng

Katharina Grosse

Katharina Grosse lar seg inspirere av Edvard Munch, og utstillingen knytter kunstnerskapene sammen. Utforsk og utvid din forståelse av maleri gjennom Grosses grenseoverskridende bruk av farge. Den tyske kunstneren Katharina Grosse er kjent for å utfordre det tradisjonelle maleriet. I hennes kunstnerskap kan et maleri oppstå hvor som helst – på et lerret, en offentlig plass, ved siden av et jernbanespor, på en sandstrand – og gjør natur, arkitektur og ikke minst betrakteren til en del av verket. Ved å bruke en spraypistol kan hun male raskt og intuitivt uansett flate og format, noe som gir arbeidene hennes en nesten flytende kvalitet. Grosse har vært inspirert av Edvard Munchs kunstnerskap siden hun var student, og særlig hans maleri Solen (1912—1913), der en blendende sol stiger opp over et steinete skjærgårdslandskap. I forkant av utstillingen vil hun arbeide i Munchs atelier på Ekely i Oslo, og skape nye verk som tilfører en ny dimensjon til dialogen mellom de to kunstnerne. Utstillingstittelen er hentet fra Svart seng, en nyprodusert installasjon som gjenskaper et av Grosses sentrale verk, Das Bett fra 2004. Her spraymalte kunstneren soverommet sitt i Düsseldorf, inkludert møbler, klær og eiendeler, og ødela dem i prosessen. Verket markerte et vendepunkt der kunstneren for første gang inkluderte symbolske og fortellende objekter, som utvidet forståelsen hennes av maleriets muligheter. Grosse sier selv at Svart seng knytter utstillingen til de emosjonelle og psykologiske temaene rundt liv og død i Munchs arbeider. Som et mørkt motstykke til Solen, omslutter Svart seng utstillingsrommet med sin urovekkende energi.

Libraries and Counterpropaganda

Lørdag 26. september kl. 17-20 gratis

Høst - Gruppeutstilling

Christer Glein, Lars Morell, Øyvind Sørfjordmo, Sverre Bjertnæs, Bjertnæs/Melgaard, Georg Óskar, Fredrik Raddum, Lars Elling, Per Maning

Kim Nygård- Vindkast

Kim Nygård

Det som finnes rundt oss

Bodil Drange Pedersen, nicholas O`Leary, Sebastian Slotte

TRYKKNÅ

Gunnveig Nerol

International print exhibition Internasjonal grafikk utstilling

«Landeskogen opning utstilling 011026 (2).JPG». Foto: Geir Daasvatn / Setesdalswiki. Kilde. CC BY-SA 3.0. I appen vises bildet som utsnitt. Fotoet og utsnittene brukes under samme lisens.

VIDLE HIMLA & God in a Beer Can

K. Linnea Backe, Thomas Lafuente

To analoge fotoprosjekter møtes på Fotografiens Hus. K. Linnea Backe arbeider med erfaring og tilhørighet til Jærens landskap. Thomas Lafuente bruker ølbokser som pinhole-kameraer og lar lang eksponering registrere solens bevegelser og skiftende lys. Åpningstider: Onsdag–fredag 12–17, lørdag–søndag 12–16. Bilde: Thomas Lafuente – God in a Beer Can.

The feeling of five o'clock moving into five thirty.

Binge-watching

Anna Clawson

Anna Clawson viser Binge-watching på Centralbanken fra 2. til 24. oktober 2026. Åpningstider: Torsdag–lørdag 13–15 og etter avtale. Åpning: 2. oktober kl. 19:00.

Malerinnene

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinnene» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnene» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnene» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnene» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Malerinne

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer, Giovanna Garzoni

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinne» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinne» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinne» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinne» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Maleri̇ṅṅė

Malerinnen

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Giovanna Garzoni, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer

I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnen» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnen» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnen» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

Malerinnen

Malerinnenes

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana, Sofonisba Anguissola, Giovanna Garzoni, Judith Leyster, Orsola Maddalena Caccia, Margareta de Heer

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinnenes» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv. I kunsthistorien har kvinnelige kunstnere ofte blitt oversett eller undervurdert. Da kunsthistorikeren Linda Nochlin i 1971 stilte spørsmålet «Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige kunstnere?», utfordret hun forestillingen om hvem som får plass i kunsthistorien. «Malerinnenes» fortsetter denne diskusjonen ved å synliggjøre dem som var anerkjente i sin egen tid, men som senere har falt ut av fortellingen. Hvordan kunne kvinner bli kunstnere i en tid da utdanning, verksteder og akademier i stor grad var forbeholdt menn? Utstillingen utforsker hvordan kvinnelige kunstnere fant veier inn i yrket og etablerte seg i miljøet. Ved å følge deres utdanning, nettverk og motivvalg gir «Malerinnenes» et nytt perspektiv på kunsthistorien. Utstillingen er utviklet i samarbeid med Galleria Borghese i Roma og presenterer rundt 50 verk av kvinnelige kunstnere fra Nord- og Sør-Europa. Gjennom religiøse motiver, portretter og stilleben får publikum oppleve kunstnere som Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier og Lavinia Fontana side om side med arbeider av deres læremestre. «Malerinnenes» knytter historisk kunstnerskap til spørsmål som fortsatt er aktuelle i dag: synlighet, anerkjennelse, tilgang til utdanning og hvem som definerer kunstnerisk kvalitet. Gjennom møter med kunstnerne i utstillingen inviteres publikum til å oppdage en rikere og mer sammensatt fortelling om kunsten i Europa.

SWAP: Alessio Barchitta

Alessio Barchitta

Kledd som folk

Håvard Homstvedt

Oslo Negativ 2026

Oslo Negativ er en fotofestival på Nasjonalgalleriet med dokumentar- og kunstfoto fra inn- og utland, samtaler, workshops og arrangementer. Årets tema er «Lidenskap / Passion». Åpent 10., 11., 17., 18., 24. og 25. oktober kl. 11–18, og 16. og 23. oktober kl. 14–18. Festivalen er stengt de øvrige dagene i perioden. Hovedinngang fra Universitetsgata. Foto: Farzam Saleh, «Rooftop», 2020. Tilhører Preus museums samling. Kilde: Oslo Negativ.

OSLO NEGATIV 2026: RAFIKI

Rafiki

MOLD

Karen Pederstad

Karen Pederstad viser utstillingen MOLD hos Salgshallen.

Sara Skogøy – Mothers I’d Like to Forgive

Sara Skogøy

Mothers I’d Like to Forgive

Sara Skogoy

10.-18- oktober 2026

Unmistakably You at Oslo Negativ

Dev Dhunsi

Kunstpodden på Huset: KI

Kunstpodden på Huset: Farger

Festival for Huset

Nægh-sje

Amir Asgharnejad, Anahita Alebouyeh

A Point of Entry

Morten Andenæs, Johanne Hestvold, Øyvind Bast, Cecilia Jiménez Ojeda, Max Barel, Erlend Rødsten

Kaleidoskop 2026

Jens Rykke, Tone E. Sabro

Kaleidoskop markerer 25 år med en utstilling som samler rundt 70 deltakere og uttrykk som maleri, tegning, foto, skulptur, installasjon og tekst. Utstillingen arrangeres av Velferdsetaten ved Nyttig Arbeid i samarbeid med Oslo Kunstforening. Åpningstider: Torsdag 17–19; fredag 12–17; lørdag–søndag 12–16; mandag–onsdag stengt. Foto/bilde: Verk av Jens Rykke. Åpning: 15. oktober kl. 17:00–19:00.

Marthe Karen Kampen

Marthe Karen Kampen

Ut av fatning

Hilmar Fredriksen

Ervin Løffler; Skulpturer

Ervin Løffler

A Love Letter to Oslo

Øyvind Tallhaug Gulbrandsen, Eleonora Leander, Luna Milo Eliasson, Sophie Flingtorp, Thea Bjerke Skullerud, Kaspar Lesk, Milou Jacobsson Sjöberg, Marek Huntsaar, Tuva Dorthea Hauglann, Sheila Mai D. Salas, Saimi Järvinen, Sunniva Larsen, Nina Möttus, Aurora Romano, Sofia Endrestad, Ane Lindholt

Tredjeårsstudenter i tekstil og metall viser en felles utstilling om sine ulike forhold til Oslo. Arbeidene undersøker blant annet lengsel, motsetninger og tilhørighet gjennom materialene metall og tekstil. Åpningstider: 15. oktober 18–20; 16. og 17. oktober 12–16. Åpning: 15. oktober kl. 18:00–20:00.

Arne Spangereid – Separatutstilling Malerier og grafikk

Arne Spangereid

Separatutstilling med malerier og grafikk av Arne Spangereid, med nye motiver fra Stavanger-regionen. Kunstneren er til stede ved åpningen. Åpning 15. oktober kl. 19.00. Åpningstider: Tirsdag etter avtale, onsdag 12–17, torsdag 12–19, fredag 12–15 og lørdag 11–15. Mandag og søndag stengt. Bilde: Arne Spangereid, Pedersgata.

Next in Line

Jan Christensen

I Next in Line undersøker Jan Christensen kunstnerrollen, karrierens bevegelser og kunstens verdi gjennom maleri og installasjon. Utstillingen rommer blant annet en labyrint som motiv, sammenraste bokstaver i Forward Momentum og verket Placeholder, der kunstnerens navn erstatter Nasjonalmuseets logo. Arbeidene knytter spørsmål om originalitet og økonomi til kunstnerens plass i kunstfeltet. Utstillingsåpning torsdag 15. oktober kl. 18–20.

KRÆSJ 1976-2026

Christian Blandhoel

Christian Blandhoel samler figurer, kosedyr, malerier, tegninger, dioramaer og støyinstrumenter i en utstilling som markerer 50 leveår og 30 år som kunstner. Arbeidene knytter populærkultur og barndommens gjenstander til kunstnerens egne billedverdener. Åpningstider: Torsdag–søndag 14–18. Åpning: 16. oktober kl. 19:00.

Malerinne

Artemisia Gentileschi, Clara Peeters, Michaelina Wautier, Lavinia Fontana

Mellom 1550 og 1650 skapte kvinnelige kunstnere seg profesjonelle karrierer i en kunstverden dominert av menn. «Malerinne» viser at de ikke var unntak, men sentrale aktører i Europas kunstliv.

Utstilling med Kunstbanken

Marie Svardal Brattebø, Kari Veastad, Camilla L. Hill, Vibeke Andersen, Ivar Nygaard, Terje Gulbrandsen, Heidi Stangeland

Felles utstilling med maleri, portrett, metallkunst og skulpturelle installasjoner fra Kunstbankens sju kunstnere, som under Kulturnatt vises i galleriet på Sola kulturhus. Utstillingssalen. Åpent fredag 16. oktober 18–20, lørdag 17. og søndag 18. oktober 12–16.

Utstillingsåpning med Kunstbanken

Marie Svardal Brattebø, Kari Veastad, Camilla L. Hill, Vibeke Andersen, Ivar Nygaard, Terje Gulbrandsen, Heidi Stangeland

Utstillingsåpning med Kunstbanken i Utstillingssalen på Sola kulturhus 16. oktober kl. 18.00–20.00.

Eckbos Legat stipendutstilling

Johannes Engelsen Espedal, Wendimagegn Belete Masresha, Sebastian Rusten, Liilian Saksi

Fire kunstnere viser nye stedsspesifikke arbeider i Vigelandmuseet. Skulptur, tekstil og installasjon undersøker blant annet håndverk, natur, kulturarv og forholdet mellom verk og rom. Åpningstider: Tirsdag–søndag 12–16, siste inngang 15.45; mandag stengt. Separat oversikt over helligdager. Foto/bilde: Liilian Saksi. Foto: Jon Gorospe. Åpning: 16. oktober kl. 18:00–20:30.

Innføring i videokunstarkivet

Velkommen til en innføring i Videokunstarkivet torsdag 22. oktober kl. 12:00–14:00. Denne workshopen er for kunstnere som ønsker en innføring i bruk av Videokunstarkivets portal til verksregistrering og filopplasting. Workshopen ledes av Håvard Oppøyen, ansvarlig for Videokunstarkivet ved Nasjonalmuseets bibliotek og arkiv.

Innføring i videokunstarkivet Workshop

A Story Is True Only When It Is Complete

Rina Eide Løvaasen

Rina Eide Løvaasen viser en installasjon der vev, maleri og broderi danner flere lag i samme verk. Referanser til maneter, stjerner, monumenter og geologi inngår i en undersøkelse av tid, omsorg og forvaltning. Åpningstider: Tirsdag–fredag 12–17; lørdag–søndag 12–16.

Peter Mohall

Utstillingen åpner torsdag 29. oktober kl 18:00 - 20:00

Sverre Bjertnæs med Harriet Backer, Martin Kippenberger, Odd Nerdrum, Kaja Norum, Hannah Ryggen og Fredrik Værslev

Sverre Bjertnæs, Harriet Backer, Martin Kippenberger, Odd Nerdrum, Kaja Norum, Hannah Ryggen, Fredrik Værslev

eiklid / rusten presenterer Sverre Bjertnæs med Harriet Backer, Martin Kippenberger, Odd Nerdrum, Kaja Norum, Hannah Ryggen og Fredrik Værslev. Utstillingen åpner 29. oktober og varer til 28. november 2026. Åpningstider: Torsdag 12–18, lørdag 12–16. Åpning: 29. oktober kl. 18:00.

Yfirfara – Grafiska Sällskapet

Alexandra Skarp, Amalia Årfelt, Annalena Törnström, Christer Themptander, Christina Västerbo, Helena Laukkanen, Kristina Stark, Laurens Rohlfs, Nina Bondeson, Nina Kerola

Ti kunstnere fra Grafiska Sällskapet viser bredden i svensk samtidsgrafikk. Utstillingen er del av et samarbeid mellom de to grafikerorganisasjonene og undersøker grafikkens teknikker, uttrykk og grenser. Åpningstider: Onsdag og fredag 12–17, torsdag 12–18, lørdag 12–16; søndag–tirsdag stengt. Bilde: Alexandra Skarp – Elefantblad. Print og vinylfarge på tre.

DINNER BE MY GUEST: PARENTS & KIDS

Yaniya Mikhalina, Joen Vedel

Be My Guest is an informal and open-hearted dinner event, at which artists share their work and thoughts over a creative home-cooked meal. In 2023, artists Yaniya Mikhalina and Joen Vedel welcomed their son into the world, and everything changed. ‘We must find a way to make art that lives with, not in spite of, our new circumstances’, they realized. Like many children of single, migrant or creative parents, their son follows them on work trips, to museums and art openings – anywhere, really. This evening is for all the kiddos and their weary, over-extended parents. UKS will serve simple, vegan, child-friendly cuisine (pasta!) with toppings to tickle adult taste buds at an immensely child-friendly hour. There will be an introduction to the exhibition for small humans at 4.30PM, followed by collective hand washing and dinner around 5.15PM. For those with later bedtimes, a short introduction to the exhibition will be offered for the grownups after dinner while the kids burn energy in the disco pillow room. PRACTICAL INFORMATION Tickets are 100 kr for adults, kids are free. The meal is vegan. Please register here. ABOUT Yaniya Mikhalina is a Volga Tatar artist, researcher and knowledge keeper based in Oslo. Her work engages with cross-colonial realities and the psychic and institutional conditions they produce, tracing how imperial structures settle into voice, memory and the capacity to imagine feminist and post-imperial futures. Working across image-making, listening, languaging, editing and archiving, she explores political-spiritual forms of artistic practices. Joen Vedel is an artist, organiser and filmmaker based between Oslo and Copenhagen. Vedel’s work encompasses critical media archives, film, installation, text, performance, curation, facilitation and various open-ended forms of collaboration. Attentive to the relation between content, context and form, he often works in the liminal spaces between the personal and the political, between the event and its aftermath. ACCESS The dinner is held in Norwegian and English. If you would like to attend but are unable to pay the full ticket price, please send an email to Miriam Wistreich at m.wistreich@uks.no and we will do our best to find a solution. If you have allergies or dietary requirements, please let us know in advance by contacting m.wistreich@uks.no. UKS is wheelchair accessible. Please contact Miriam Wistreich at m.wistreich@uks.no if you require sign language interpretation. Further information about visiting UKS can be found in our access note here.

Kjell Erik Killi-Olsen

Kjell Erik Killi-Olsen

Tegnerforbundet 110 år: Vi tar streken på alvor

I 2026 markerer Tegnerforbundet sitt 110-årsjubileum med et program som undersøker tegnekunstens historiske røtter, samtidige praksiser og fremtidige mulighetsrom. Jubileumsåret vil synliggjøre både kontinuitet og fornyelse i tegnefeltet – fra etablerte, langvarige kunstnerskap til nye og eksperimentelle uttrykk. Som del av markeringen presenterer Tegnerforbundet en større jubileumsutstilling der bredden av dagens tegnekunst står sentralt. Utstillingen løfter frem hele spekteret av uttrykk, metoder og perspektiver som preger medlemsmassen. Tegnerforbundets medlemmer utgjør en særegen og mangfoldig krets, fra avistegnere og illustratører til visuelle kunstnere som arbeider eksperimentelt og konseptuelt. Denne variasjonen danner et rikt og levende bilde av hva tegning er – og hva tegning kan bli. Tegnerforbundet ønsker med jubileumsutstillingen å vise frem dette mangfoldet av stemmer og praksiser. Her vil tradisjonelle tegneredskaper møte digitale prosesser, og håndverksbasert arbeid vil stå side om side med teknologiske og hybridiserte tilnærminger. Gjennom denne bredden vil utstillingen tydeliggjøre hvordan tegnekunsten i dag er i kontinuerlig bevegelse. Ved å samle et så bredt spekter av praksiser, ønsker Tegnerforbundet å markere hva organisasjonen har vært og hva som preger den i dag og i tiden som kommer. Vi er stolte av å kunne ta streken på alvor sammen med alle våre medlemmer, uavhengig av uttrykk, medium, tematikk eller arbeidsmetode. I jubileumsåret 2026 vil dette mangfoldet stå tydelig frem, og sammen vil tegnerne gi et helhetlig og vitalt bilde av tegnekunsten i dag.

Vi tar streken på alvor

Tegnerforbundet 110 år: Vi tar streken på alvor

I 2026 markerer Tegnerforbundet sitt 110-årsjubileum med et program som undersøker tegnekunstens historiske røtter, samtidige praksiser og fremtidige mulighetsrom. Jubileumsåret vil synliggjøre både kontinuitet og fornyelse i tegnefeltet – fra etablerte, langvarige kunstnerskap til nye og eksperimentelle uttrykk. Som del av markeringen presenterer Tegnerforbundet en større jubileumsutstilling der bredden av dagens tegnekunst står sentralt. Utstillingen løfter frem hele spekteret av uttrykk, metoder og perspektiver som preger medlemsmassen. Tegnerforbundets medlemmer utgjør en særegen og mangfoldig krets, fra avistegnere og illustratører til visuelle kunstnere som arbeider eksperimentelt og konseptuelt. Denne variasjonen danner et rikt og levende bilde av hva tegning er – og hva tegning kan bli. Tegnerforbundet ønsker med jubileumsutstillingen å vise frem dette mangfoldet av stemmer og praksiser. Her vil tradisjonelle tegneredskaper møte digitale prosesser, og håndverksbasert arbeid vil stå side om side med teknologiske og hybridiserte tilnærminger. Gjennom denne bredden vil utstillingen tydeliggjøre hvordan tegnekunsten i dag er i kontinuerlig bevegelse. Ved å samle et så bredt spekter av praksiser, ønsker Tegnerforbundet å markere hva organisasjonen har vært og hva som preger den i dag og i tiden som kommer. Vi er stolte av å kunne ta streken på alvor sammen med alle våre medlemmer, uavhengig av uttrykk, medium, tematikk eller arbeidsmetode. I jubileumsåret 2026 vil dette mangfoldet stå tydelig frem, og sammen vil tegnerne gi et helhetlig og vitalt bilde av tegnekunsten i dag.

RESTRAINT

Hamish Fulton

Mathew Cerletty and Judith Hopf

Mathew Cerletty, Judith Hopf

Mathew Cerletty and Judith Hopf

Mathew Cerletty, Judith Hopf

Bærende konstruksjoner

Marte Aas, Sigurd Bronger, Thyra Dragseth, Agnes Guttormsgaard, Vebjørn Guttormsgaard Møllberg, Marianne Heier, Kunstneraksjon-74, Fabiola Burgos Labra, Éva Mag, Park McArthur, Eline Mugaas, Ketil Nergaard, Nettopp Nettverk, Peter Opsvik, Kaare Ruud, Tove Storch

Pidestallen, bygget, stolen, moren, faren, mentoren, utstillingsteknikeren, støtteordningen: alle er støttestrukturer, men sjelden blir de betraktet i sammenheng. Kunstnernes Hus har i snart hundre år vært en bærende konstruksjon for kunstnere og kunsten, og institusjonen er også bygget og formet av kunstnere. Bærende konstruksjoner tar utgangspunkt i dette historiske forholdet mellom menneske, arkitektur og institusjon, og undersøker hvordan strukturene rundt oss former livene våre og kunstnerisk praksis.

Material Shifts

Olga Balema, Katinka Bock, Ludovica Carbotta, Rhea Dillon, Miho Dohi, Vincent Fecteau, Ane Mette Hol, Brad Kronz, Jean-Luc Moulène, Germain Ngoma, Kaare Ruud, Stein Rønning, Diane Simpson, Dima Srouji, Mungo Thomson

En stor internasjonal gruppeutstilling som undersøker skulptur som en form for oversettelse.

Adrián Villar Rojas. The End of Imagination

Adrián Villar Rojas

Adrián Villar Rojas monumentale skulpturer tar over to av Nasjonalmuseets lyshaller. Den argentinske kunstneren Adriàn Villar Rojas fikk sitt internasjonale gjennombrudd på Veneziabiennalen i 2011. De siste femten årene har han stilt ut verkene sine over hele verden. «The End of Imagination» er Rojas første utstilling i Norge og den første store presentasjonen av de nyere verkene hans i Europa. I løpet av de siste to tiårene har Villar Rojas’ installasjoner «landet» i Buenos Aires, Yangji-ri, Kalba, Athen, Seto, Shanghai, Seoul, Vallée de Joux, Aspen og mange andre steder. Verkene absorberer hver gang stedets arkitektur, geologi, klima, dets institusjonelle metabolisme og politiske forhold. Det som kommer til syne er ikke et kunstverk, men en økologi – en selvskapende organisme bestående av jord, fuktighet, temperaturskifter, digitale simuleringer, insekter, sopp, mose, kasserte gjenstander, menneskelig samarbeid og tid. Disse installasjonene reiser ikke; de forplanter seg. De brytes ned på stedet, eller bare fragmenter overlever og gjenbrukes i senere verdener. Arkivet deres er spredt, ikke-kontinuerlig og grunnleggende ufullstendig. Det globale korpuset til disse praksisene eksisterer, men aldri som et panorama – kun som spredte, ikke-samordnede verdener som improviserer seg fram i ulike hastigheter. Adrián Villar Rojas’ praksis kan forstås som en konstellasjon av John von Neumann-verdener: Som selvpromoterende og selvmodifiserende økosystemer som oppstår, utvikler seg og forsvinner igjen over hele planeten. I likhet med de selvkopierende probene som astrobiologien teoretiserer om – maskiner som lander i et nytt miljø, absorberer dette miljøet, materialer og betingelser, og genererer et avvikende avkom – ankommer, muterer og utvikler Villar Rojas’ prosjekter seg til ny virkelighet. Ingen av disse verdenene kan noensinne sees samlet. Intet menneske kan ha den fullstendige oversikten.

Adrián Villar Rojas

Adrián Villar Rojas

Den argentinske kunstneren Adrián Villar Rojas fikk sitt internasjonale gjennombrudd på Veneziabiennalen i 2011. De siste femten årene har han stilt ut verkene sine over hele verden. «The End of Imagination» er Rojas første utstilling i Norge og den første store presentasjonen av de nyere verkene hans i Europa. I løpet av de siste to tiårene har Villar Rojas’ installasjoner «landet» i Buenos Aires, Yangji-ri, Kalba, Athen, Seto, Shanghai, Seoul, Vallée de Joux, Aspen og mange andre steder. Verkene absorberer hver gang stedets arkitektur, geologi, klima, dets institusjonelle metabolisme og politiske forhold. Det som kommer til syne er ikke et kunstverk, men en økologi – en selvskapende organisme bestående av jord, fuktighet, temperaturskifter, digitale simuleringer, insekter, sopp, mose, kasserte gjenstander, menneskelig samarbeid og tid. Disse installasjonene reiser ikke; de forplanter seg. De brytes ned på stedet, eller bare fragmenter overlever og gjenbrukes i senere verdener. Arkivet deres er spredt, ikke-kontinuerlig og grunnleggende ufullstendig. Det globale korpuset til disse praksisene eksisterer, men aldri som et panorama – kun som spredte, ikke-samordnede verdener som improviserer seg fram i ulike hastigheter. Adrián Villar Rojas’ praksis kan forstås som en konstellasjon av John von Neumann-verdener: Som selvpromoterende og selvmodifiserende økosystemer som oppstår, utvikler seg og forsvinner igjen over hele planeten. I likhet med de selvkopierende probene som astrobiologien teoretiserer om – maskiner som lander i et nytt miljø, absorberer dette miljøet, materialer og betingelser, og genererer et avvikende avkom – ankommer, muterer og utvikler Villar Rojas’ prosjekter seg til ny virkelighet. Ingen av disse verdenene kan noensinne sees samlet. Intet menneske kan ha den fullstendige oversikten.

Irene Rasmussen

Irene Rasmussen

Kommende utstilling med Irene Rasmussen i Villa Furulund hos Norsk Billedhoggerforening. Åpningstider: Onsdag–fredag 11–16; lørdag–søndag 12–16.

Mari Kvien Brunvoll og Elida Brenna Linge

Mari Kvien Brunvoll, Elida Brenna Linge

Kommende utstilling med Mari Kvien Brunvoll og Elida Brenna Linge i Villa Furulund hos Norsk Billedhoggerforening. Åpningstider: Onsdag–fredag 11–16; lørdag–søndag 12–16.

Juleutstillingen 2026

Cheonghye Sophia

Cheonghye Sophia

Kommende utstilling med Cheonghye Sophia i Villa Furulund hos Norsk Billedhoggerforening. Åpningstider: Onsdag–fredag 11–16; lørdag–søndag 12–16.

Pushwagner

Hariton Pushwagner

Den norske kunstneren Hariton Pushwagner (1940 – 2018) skapte et enestående kunstnerisk univers, hvor det moderne livet og dystopiske framtidsvisjoner spilte seg ut i tegning, maleri, grafikk og friser. Pushwagner gjenbrukte og videreutviklet egne motiver i ulike medier, og formet et særegent visuelt språk som har vært gjenstand for en enorm oppmerksomhet. Utstillingen tar seg fore å gå tilbake til verkenes opprinnelse, med utgangspunkt i sentrale serier fra kunstnerens tidlige faser fra 1970- til 1990-tallet. Den går tilbake til der hånd møter papir eller lerret, og til der kunstneren gjenbruker eget materiale. Pushwagner hadde en unik sensibilitet for populærkultur og fanget tidsånden i et science fiction-lignende tegneseriespråk. Hans kunstneriske prosjekt pekte aktivt og kritisk på homogeniteten som skapes i et moderne kapitalistisk samfunn: Fra byer som stuer mennesker inn i trange høyhus, til autoritære ledere som utøver teknologisk fjernkrigføring. Utstillingen går inn i disse problemstillingene, som lå i kjernen av Pushwagners kunstnerskap. Den fremhever en historisk praksis som stadig informerer dagens kunstnere og som fortsetter å ha betydning i vår samtid. Utstillingen er den første store presentasjonen av Pushwagner i et museum i Norge siden hans bortgang. Kuratert av Live Drønen og Solveig Øvstebø

Ole Jørgen Ness

Ole Jørgen Ness

I 2017 mottok Nasjonalmuseet en betydelig gave fra kunstneren Ole Jørgen Ness. Gaven har, som Ness' kunstnerskap for øvrig, høy kompleksitet. Kunstverkene belyser hvordan vi lever i dag, hva som former oss, hvilke verktøy vi har for å uttrykke oss, samt hvilken betydning kunstens rolle har i samfunnet. Ness oppfatter kunsten som et «levende vesen». Han utforsker forholdet mellom sinn og materie, natur og kultur, og mellom enkeltindividets og kollektivets eksistensielle ansvar. I kunsten hans ligger det mange lag av dypere mening. En framtredende metaforisk figur, er den utryddede tasmanske pungulven – et «annerledes» og utemmelig individ som ble demonisert og tilintetgjort under kolonitiden. Utstillingen viser også den monumentale tegningen Skisse for et århundre (2005) for første gang siden den ble utstilt i Nasjonalgalleriet i 2005. Den fyller vegghøyden og strekker seg opp til 26 meter langs veggen og rommer et kosmos med mytiske vesener, fabler og romerske guder. Tegningen er en reaksjon mot en ensidig, postmoderne intellektualisme. Som motvekt ønsket Ness å skape et overveldende og dynamisk verk som kombinerte historiske referanser med personlige opplevelser. I forbindelse med utstillingen utgis det en større katalog som gir en dypere forståelse av verkene og temaene som kunstneren har arbeidet med gjennom flere tiår. Dette blir den første store utstillingen med Ole Jørgen Ness' kunst siden 2012, og den gir et unikt innblikk i hans fascinerende kunstnerskap.

Ole Jørgen Ness. Metis

Ole Jørgen Ness

John Savio: Hásttuheaddjin Motstemmen

John Savio

John Savio (1902–1938) var en banebrytende samisk kunstner som arbeidet på 1920- og 1930-tallet. Han er særlig kjent for sine uttrykksfulle tresnitt og malerier, som skildret den samiske kulturen og hverdagen slik han selv opplevde den. Gjennom kunsten utfordret Savio stereotypiske og rasistiske fremstillinger av samisk kultur, og manet til motstand mot datidens diskriminering og fornorskningspolitikk. På den måten ble han en viktig stemme i den større politiske bevegelsen for samisk selvbestemmelse. Selv om livet hans ble kort, rakk Savio å sette dype spor. Han forente tradisjonelle samiske uttrykk med moderne teknikker, og skapte et helt eget formspråk som la grunnlaget for dáidda – samisk samtidskunst. I dag regnes han som en særegen stemme innen nordisk modernisme og en varig inspirasjon for samiske samtidskunstnere. Denne utstillingen er et samarbeid med Saviomusea/Saviomuseet i Kirkenes, og markerer det første store tilbakeblikket på Savios kunstnerskap fra et samisk ståsted, med nesten 100 verk samlet på ett sted. Utstillingen presenterer banebrytende forskning og nye perspektiver på denne lite anerkjente kunstneren, og bidrar til en dypere forståelse av både samisk og arktisk urfolkskunst. Etter at utstillingen er ferdig på MUNCH, skal den også vises på henholdsvis Nordnorsk Kunstmuseum i Bodø og Trondheim Kunstmuseum i 2027. Utstillingen rommer kunstneriske bidrag fra Eveliina Sarapää i form av utstillingsarkitektur, Elle Márjá Eira gjennom et lydverk og Katarina Spik Skum med en duodji installasjon. Kurator for utstillingen er Liisa-Rávná Finbog (Rámavuol Liisa-Rávdná).

John Savio

John Savio

Separatutstilling

Gunnveig Nerol

Dagbok

Beatrice Guttormsen